117 ROCK, (s) VARIET (s) INT (s)

Plus personnel que son prédécesseur, ce deuxième album de la musicienne britannique, tout aussi fougueux, se montre plus instinctif et dans l'urgence, révélant un spectre de textures et d'émotions plus large.

Si le Blues est la musique de toute une vie, alors on ne peut que se réjouir de la parution de cette anthologie célébrant les 25 premières années de la carrière de Fred Chapellier ! Car cela signifie "juste" que cette compilation n'est qu'une étape dans un cheminement qui nous réservera beaucoup d'autres opportunités de louer le talent hors-normes de cet artiste attachant. En attendant, savourons le plaisir de nous replonger dans une belle tranche de carrière dont la consistance n'est pas la moindre des qualités ! Car il n'y a jamais eu chez Fred Chapellier de "tour de chauffe" comme on peut parfois affubler certains premiers albums dont la seule qualité est d'exister. Car s'il est une qualité à mettre en exergue chez lui, c'est bien celle de la richesse de sa palette.

Il a marqué plusieurs générations d'amoureux de blues, rock, country et pop. De la période Cream jusqu'à son album Unplugged en passant par l'époque Blind Faith, tous ses plus grands hits sont réunis sur ce disque.

Cet album de 16 titres est un mélange d'influences et de créations artistiques, de belles balades et de titres EDM plus rythmés. Dans cette oeuvre, Céline aborde les thèmes forts de l'autocritique dans Imperfections, de la ténacité et du courage dans les titres Lying down et Courage ainsi que de l'émancipation personnelle dans Flying on my own.

Après l'inaugural Places en 2012 (double disque platine - Victoire de la Musique Artiste Féminine) confié aux soins d'Etienne Daho, puis Lay low (disque d'or), réalisé par le canadien Taylor Kirk (Timber Timbre), Lou Doillon revient avec un troisième album studio. Un virage pour l'artiste qui délaisse sa guitare folk pour l'électrique, et construit ses chansons sur des beats mélangeant sons organiques et expérimentations électriques. Sensuel, chaud, envoûtant, intense mais aussi dansant. Avec Benjamin Lebeau, moitié de The Shoes, ils vont réaliser quatre chansons dont l'ardent Burn où grondent des guitares post-punk et des frottements industriels derrière la voix de Lou qui n'a jamais parue si sûre d'elle. Elle a également confié une autre partie de la production à Dan Levy (The Do) pour 3 titres, et s'est associée à Nicolas Subréchicot, son clavier sur scène et multi-instrumentiste de l'album, pour le reste du disque.

Sept ans après son précédent album solo, The evangelist, vibrant hommage à feu son camarade Grant McLennan, l'ex-The Go-Betweens sort cet album via le label Allemand Tapete Records, refuge d'élégantes plumes pop eighties (Lloyd Cole, Bill Pritchard, The Monochrome Set...). Le disque a été enregistré à Brisbane avec Scott Bromley et Luke McDonald de The John Steel Singers, Matt Piele et la violoniste Karin Bäumler (déjà présente en 1990 sur Danger in the past). Un petit documentaire de 8 minutes nous raconte la genèse de l'album, agrémenté de témoignages très drôles des musiciens et proches du grand Australien.

Après la sortie de leur précédent opus le trio a passé un an à tourner de par le monde. Fin 2014, ils s'exilent à L.A. en compagnie de Tony Hoffer (M83, Depeche Mode, Belle & Sebastian) pour travailler sur leur quatrième disque. Avec lui, ils se sentent libérés. Ils ont à nouveau le sentiment de jouer uniquement pour le plaisir, comme c'était le cas par le passé. Et en quatre semaines seulement, l'album était écrit et enregistré. Avec Hoffer disent-ils, ils explorent des directions et des possibilités auxquelles ils n'auraient jamais pensé d'eux même. On retrouve donc ici l'énergie, le plaisir, la verve de leurs débuts. On y distingue le soleil et l'esprit de Los Angeles (où il a été donc enregistré), avec quelques références évidentes au rock californien des années 70, au rockabilly et à l'americana. Cet album trouve ses racines à la fois en Californie et en cosse.

En 2010 le musicien britannique sortait son album Scratch my back, un CD de reprises n'utilisant ni guitares, ni batteries dans lequel nous pouvions retrouver notamment du Bon Iver, Talking Heads et Arcade Fire entre autres. Pour ce disque qui s'avère être la suite logique (par le concept et le titre) Peter Gabriel a demandé aux artistes dont il a repris les titres dans son disque précédent, de venir cette fois s'occuper des siens...

Cet album est issu de plusieurs mois de sessions acoustiques dans différents pays mais aussi le fruit de collaborations avec Rob Thomas, Guy Chambers.

Il a grandi à Philadelphie où il a été bercé par la musique soul qu'affectionnaient ses parents avant d'affirmer ses goûts via le hardcore. Au lycée, il découvre le jazz, puis rejoint plusieurs formations punk avant de trouver son style. Avec une carrière de près d'une vingtaine d'années, l'ancien acolyte de scène de War On Drugs et Kurt Vile parmi ses Violators, le guitariste virtuose amoureux de rock contemplatif aux arpèges délicats et aux mélodies psychédéliques s'est construit une fière réputation parmi la scène alternative US à coups d'excellents EPs - notamment Steve Gunn/Kurt Vile ou Cantos De Lisboa avec Mike Cooper. Trois ans après le brillant Eyes on the lines, Steve Gunn remet le couvert avec cet album planant et délicat.

Après deux EP très remarqués, la jeune anglaise livre une folk poignante et épurée, toute en mélodies cristallines, à la croisée d'Agnes Obel, de Beth Gibbons et de Bon Iver. We slept at last est un premier album plein d'assurance et infiniment captivant qui révèle de nouvelles richesses à chaque écoute. Produit par Charlie Andrew (Alt-J), avec qui elle collabore depuis longtemps, chaque chanson, du premier extrait Drown à la ritournelle complexe Ophelia, dévoile une artiste qui n'hésite pas à défier les conventions pour créer quelque chose de classique et contemporain à la fois.

Ben Harper et sa mère, Ellen, ont collaboré pour donner naissance à cet album profondément intimiste composé uniquement de chansons originales. Sur ce disque, six des dix morceaux ont été écrits par Ben, les quatre autres par Ellen, chacun abordant avec honnêteté et générosité le sujet de la vie de famille dans tout ce qu'elle a de complexe. L'album est entièrement acoustique, avec des sonorités tout à la fois soul, californienne, folk rock et américaine.

On se souvient des anglais et de leur titre soul rock How you like me now? qui nous avait presque laissé croire en 2009 que James Brown était revenu d'entre les morts. A la recherche d'inspiration pour ce troisième album, les cinq trublions ont fait le voyage jusqu'au fin fond de la Georgie pour s'encanailler auprès de chanteurs et musiciens gospel du 'deep south'. On vous promet donc du rock garage qui suinte le cambouis, de la soul et du funk à en secouer les regrettés défunts de chez Motown, du son qui vient des tripes quoi !

Cet album que la chanteuse qu'elle décrit comme de "l'électro-folk minimaliste" et qui reflète plus que jamais son esprit de défi et sa crédibilité intellectuelle. Après son précédent album Supermoon, paru en 2015 et une collaboration avec Steven Wilson, pas mal de choses ont changé pour Sophie Hunger. Elle a abandonné ses instruments classiques pour des synthétiseurs analogiques et la musique électronique et décidé d'écrire tout un album en anglais, elle qui, jusqu'alors, écrivait en mêlant anglais, français, allemand et suisse allemand.

Mené par le musicien-songwriter Saul Adamczewski (Fat White Family) et son camarade de classe Ben Romans-Hopcraft (Childhood), Insecure Men est la nouvelle signature de Fat Possum. De plusieurs manières, cette entité est le contraire de Fat White Family. Alors que les Fat White sont une "célébration de tout ce qui ne va pas dans la vie", Insecure Men, qui mêlent pop et exotica, en sont, en comparaison, les bienfaits. L'album explore des thématiques bizarres, surréalistes et sombres, et Saul utilise ses influences (qui vont de l'exotica d'Arthur Lyman, aux débuts pop électroniques de Perrey et Kingsley, en passant par la douceur des Carpenters, le songwriting d'Harry Nilsson et l'inquiétude hypnagogique évoquée par David Lynch) pour créer un univers sonore unique, entre pop ultime et étrangeté psychédélique.

A mi-chemin entre la grâce d'Antony & the Johnsons et l'exubérance d'une troupe de cirque moderne, le londonien James McDermont et ses 10 musiciens dévoilent un premier album féerique où ils se révèlent comme une grande figure de la pop contemporaine.